Alexis Cangy

Scout Niblett à Petit Bain – Full sentimental !

 

Deux jours avant le Black Friday où l’on brade déjà tout avant la grand messe de No Hell, je me disais qu’un Petit Bain d’authenticité serait le bienvenu. Quoi de mieux que de passer une soirée en compagnie d’une figure discrète mais toujours présente, et vivace, d’une scène post-grunge féminine qu’elle est sûrement la seule à représenter, à savoir Scout Niblett.

BEDROOM SINGER ?

J’ai fait la “rencontre” (musicale) d’Emma Louise Niblett en 2005 à la sortie de son Kidnapped by Neptune, avec une belle claque à la clé. Evidemment la recette basique voix + guitare électrique (et non folk) alternant entre sensibilité mélancolique et accès de violence distordue ponctuée d’incursions erratiques et claquantes de la batterie (comme si cette dernière se rappelait au dernier moment d’être là) m’avait retourné les oreilles, le cerveau et bien un peu le coeur, je l’admets volontiers.

Et puis cette petite passion m’est vite passée, comme une rencontre Tinder qui dure juste assez pour palpiter un peu mais pas assez profonde pour s’accorder le temps de s’y installer.

L’annonce du concert ayant rallumé la flamme, je me suis rendu compte que j’avais eu doublement tort d’abandonner si vite. D’une part, parce que j’ai pu redécouvrir sa discographie, et du coup son talent. D’autre part, j’avais peut-être un peu sous-estimé sa capacité à perdurer – même si son dernier album date de 2013, ayant eu la naïveté de la classer au répertoire des bedroom projects éphémères (produits par Steve Albini cela dit).


[Vidéo de RafaLeMistraL Patrick]

SCOUT TOUJOURS !

Car il y a un peu de ça. Ecouter Scout Niblett, c’est un peu comme passer l’après-midi avec sa meilleure pote de lycée qui vous confie ses histoires de pom pom girls et quarterbacks, de déboires sentimentaux en questions existentialistes, et autres introspections, bien souvent teintées d’une ironie clairvoyante. On s’imagine dans sa chambre ou son garage, guitare sur les genoux branchée sur un ampli d’occas’ et la batterie pas loin, jouant le minimalisme des mélodies à fond pour porter son chant et ses textes.


Sauf que Scout a grandi, en bien des sens. Aujourd’hui femme mûre au physique sec, elle se dresse ce soir-là, seule avec sa guitare en bandoulière, crunchy à souhait et son accent américain à trancher une côte de boeuf d’1,2kg (alors qu’elle est originaire de Nottingham). Faut bien avouer : elle “est encore là et tout le monde est cor-da”. 
Et oui car sa voix, elle, n’a pas changé et mettra donc tout le monde d’accord.

Faut dire, le public lui est acquis, à tel point que très peu de gens sont partis se chercher une bière après la 1re partie, tant et si bien que la fosse était à peu près inaccessible, et le reste de la salle comble.

POM POM RIOT GIRL

Avec cette auto-dérision qui fait tout son charme, elle entame la soirée avec ces paroles “Here I am” d’un morceau de type blues-rock désertique. A mesure qu’elle égraine les notes « bendées » et réverbérées de sa belle guitare rouge, l’intimité s’installe. Elle nous enveloppe de ce cocon, cet espace-temps où l’on va pouvoir, semble-t-il, tout se dire, et tout se pardonner, à soi comme aux autres. Sauf que ce cocon n’est pas fait que de ouate, il gratte, démange et se transforme parfois en brasier ou en tempête soutenue par des riffs de guitare répétitifs à la saturation toute Nirvanesque.

Très tôt et souvent, elle serre les dents, illustrant l’intensité éprouvée, l’intégrité des émotions partagées. Et cette voix, encore adolescente, dans le bon sens du terme, entre limpidité naïve et rage contenue, viscérale, finit parfois par exploser, au comble d’une libération sans concession. Chanter c’est donner, reprendre c’est voler. Ici ce soir, Scout donne tout et c’est hypnotisant, touchant, ça fout des frissons jusqu’à l’os.

Ainsi la chanteuse au songwriting impeccable de sensibilité et de lucidité (“Something’s leaking from my future / Back into the here and now / Some call it by a different name / Inner bullshit detector / Yeah”) navigue dans son catalogue avec une cohérence étonnante.

L’un des meilleurs moments aura certainement été l’enchaînement de Pom Poms, qui lui permet de se mettre à la batterie, avec Your Beat Kicks Back Like Death et son leitmotiv “We are all gonna die”, qu’elle fera basculer malicieusement et à la surprise générale sur un We are the World qu’on avait tous presque réussi à oublier. Evidemment on rit, en reprenant les deux phrases alternativement avec elle : on n’est pas bien, là, tous ensemble à se féliciter de tous devoir mourir un jour ?

What can I do nous ramènera à un moment d’une incroyable intensité lorsqu’elle appelle “Baby, baby, I’m coming right for you”, tandis que pour Dinosaur Egg, elle lâchera encore un sourire lorsqu’elle prononcera “My tortured spirit”, comme pour se rire d’elle-même. Coeur et humilité.

[vidéo de Lolo_from_Paris]

Après un dernier clin d’oeil à sa “sweet solitude”, la plus américaine des anglaises terminera sur un morceau au long drone vrombissant, histoire de nous rappeler qu’il n’est pas question de fragilité, mais plutôt de ne rien laisser passer pour convertir les sentiments et les expériences en électricité, en énergie pure, un combustible pour tout brûler, puis tout recommencer.

Texte – Alexis Cangy
Photos © Cédric Oberlin 

Etienne Jaumet paie son été indien avec 8 Regards Obliques

 

26 octobre, l’automne arrive par le nord, 10° et pluies (enfin) annoncées. On pensait que l’été indien n’allait jamais se terminer. Étienne Jaumet joue pourtant les prolongations avec son nouvel LP 8 regards obliques, chaleureux et lumineux, idéal pour chiller et faire la nique à Halloween.

CV ET LETTRE DE MODULATION
Ex-Married Monk, pierre angulaire du trio Zombie Zombie, amoureux de machines analo et saxophoniste de formation, ce digne représentant du label Versatile sort un 3e album surprenant. S’il est coutumier des “hommages” à travers différentes interventions deci-delà, à La Philharmonie ou la Gaîté Lyrique, cette fois Jaumet se prend au jeu de revisiter ses hymnes jazz favoris, tout à sa façon, c’est-à-dire de manière libre, inspirée et décomplexée. Cependant cette fois-ci, il est moins question de rendre un hommage respectueux et relativement ressemblant que de se laisser porter par son propre ressenti et en incorporer les souvenirs évanescents ou tenaces dans son propre paradigme musical.

TO BE _ JAZZ _ OR NOT TO BE
Personnellement, j’hésite très franchement à classer cet opus parmi la vague néo-jazz comme le laisse entendre le communiqué de presse. A l’énoncé de cet exercice de style, je me suis forcément demandé si je ne devrais pas écouter les versions originales en parallèle. Et puis non, ceci pour trois raisons : 1) il y a rarement une version “originale” en jazz comme on l’entend dans les autres styles de musique moderne enregistrée ; 2) ce serait tomber bêtement dans une espèce de comparatif bancal et inapproprié ; 3) cela me gâcherait le plaisir de l’écoute neuve et 4) Ok ça fait pas trois, ça me foutrait tout à fait en retard pour rendre ce papier. Et grand bien m’en a fait, ce qui me conforte dans ma 1re idée : il s’agit plus d’un LP électronique que néo jazz, tant il invite à la joie de festoyer en dansant sur des rythmes hautement addictifs et des basses qui font boum à chaque note, avec certes le supplément d’âme du sax.

« JAUMET » SANS MES SYNTHES
On retrouve évidemment toute la rondeur des ondes en dent de scie filtrée, avec parfois ces variations acides (Caravan est une merveille du genre) chères à Jaumet et héritées de la kosmische musik teutonne, tandis que la TR 808 mènent la danse avec une frénésie (Shh peaceful) ou avec une nonchalance (Nuclear war, yeah) sans égales.
Bref, tous les ingrédients de la musique qu’il produit soit en solo, soit avec ses Zombie Zombie sont là sous-tendus par deux principes forts : minimalisme et générosité.
On profite aussi “à plein” de ses talents de saxophoniste, car ici le cuivre est présent dans tous les tracks et prend toute son ampleur, par moments complètement free – autre mot pour expérimental en jazz (Theme from a symphony), le plus souvent simplement chantant, vivace ou chatoyant avec ses volutes introspectives (n’est-ce pas le propre du saxophone de sonder l’âme ?).

LE DON D’OBLIQUITE
En bon fan de Lamonte Young, père du drone (note tenue très longtemps pour favoriser la transe), Jaumet nous emmène souvent dans les contrées des musiques méditatives d’origine indienne. La plupart des morceaux fleurent bon les voyages cosmiques chers à Sun Ra et son Arkestra tout autant que spirituels ou mystiques, comme l’indique son dernier titre (le seul qui ne soit pas une “reprise”). Le tout est réalisé avec une économie de moyens (une boîte à rythme, un ou deux synthés) pouvant seule faire jaillir une telle fraîcheur et une telle énergie communicative. La production confiée à I:Cube (demi-dieu, au sein du label, à mon sens) est également du meilleur effet : sans surcharge, sobre et juste.

Cet album, plus qu’un hommage, est une fête ! Célébrant rien moins que la musique et sa vocation transcendentale donc hautement libératrice, en convoquant sonorités électroniques, mantras méditatifs et évidemment le jazz et sa folie virevoltante, Étienne Jaumet nous partage sa vision, désespérément indispensable en ces temps plus que troubles, en 2 mots : hédonisme cosmique.
Soit, que la fête continue !

– Alexis Cangy –

8 regards obliques d’Etienne Jaumet, paru chez Versatile

En live le 27 novembre au New Morning


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8 Regards Obliques

MYRIAD, le Big Bang vu par Oneohtrix Point Never

 

Il y a environ 10 ans débarquait sur terre un nouvel OMNI – Objet Musical Non Identifié – de type mutant sous le nom de Oneohtrix Point Never. Derrière ce pseudo déformant la fréquence d’une radio américaine (106.7 – One O Six dot Seven, pour les non anglophones), se cache Daniel Lopatin. Installé à Brooklyn,  le jeune homme, originaire du Masstachussets, a depuis fait un sacré bout de chemin, tournant avec Nine Inch Nails et Soundgarden, collaborant avec David Byrne, ou encore James Blake et Anhoni pour son dernier album Age Of, dont il est question ici. Oh, et l’année dernière, Cannes le récompensait pour la bande son de Good Time des frères Safdie, rien que ça…

OCTOPUSSY’S GARDEN
Entre ambient éthérée, destructurations électroniques intempestives et raffinées, et samples en tous genres ponctués de blast à la limite du dubstep ou de l’indus la plus noise, Lopatin semble, en bon boulimique aux influences tentaculaires, vouloir avaler tout ce que la musique a pu produire jusqu’ici… Pour ensuite le digérer (ou pas) et le recracher en un magma, parfois un vomi, de sonorités éparses, protéiformes, tantôt suspendues, tantôt hyper abrasives, ce qui fait à la fois son talent, à la fois son inintelligibilité par moment.

En digne rejeton des musiques de jeux vidéos old school, de John Carpenter, Aphex Twin ou de l’univers de David Lynch, Oneohtrix Point Never est le petit génie des années 2010 que l’on attendait comme le messie, ouvrant une faille spatio-temporelle vers les musiques du futur en mode OuMiPo (Ouvroir de Musiques Potentielles). Voilà pour les présentations.

M.Y.R.I.A.D. DE SONS ET D’IMAGES
Car c’est bien de cela qu’il s’agit ici. Comme évoqué plus haut, ce projet englobant le dernier album Age Of, qui s’en trouve être une BO en fait, inspiré de 2001 l’Odyssée de l’espace repensé à l’envers, revisite en un ensemble de morceaux relativement cohérents tous les univers explorés auparavant par l’artiste et peut-être plus encore. D’ailleurs ce serait également l’acronyme pour My Record = Internet Addiction Disorder. Et pourtant, cette oeuvre totale, ancrée dans l’art contemporain (vidéo + musique et même odorama quand elle a été présentée à New York) se trouve être aussi la plus accessible de toutes ses sorties, synthèse à la fois riche, subtile, ciselée, et dérangée, de la quête menée par ce prodige. Voilà pour le projet dans son ensemble.

104 A LA MAISON
Siège nord parisien des arts contemporains, c’est le 104 dans le quartier Crimée / Riquet qui fut choisi pour présenter ce projet live pour la première fois en France, dans le cadre du festival Red Bull Music Paris. Le public est en accord avec l’esprit du lieu, “arty” en majorité, et la salle de la nef comble, attendant patiemment de savoir à quoi vont servir les formes jaunes étranges suspendues au-dessus de la fosse. Petit détail qui ne met pas forcément à l’aise : nous serons donc tous assis.

Soit, profitons-en pour découvrir la scénographie un peu particulière et hi-tech mise en oeuvre : des iPads et laptops à chaque “poste de travail” si j’ose dire. Ca pourrait être un peu froid mais heureusement une batterie acoustique avec capteurs, quelques claviers de commande, et un  NordLead Stage (rouge donc), égayent un peu le tout. En fond de scène, des formes découpées feront office de surfaces de projection, à la placed’un écran conventionnel, chouette, ça change.

SMALL vs BIG BANG
En intro on retrouve tout de suite la patte de Lopatin, soit un drone noise qui vrombit crescendo… mais va rapidement faire place à une mélopée de sons d’orgues. Sont alors projetées collages photos, dessins bruitistes et formes numériques 2D ou 3D, de toutes sortes, mais pas franchement gais.

Le clavecin, que l’on retrouvera régulièrement à l’honneur et joué avec brio par la jeune femme sur ma droite, fait alors son entrée pour un morceau “Carpenter friendly” avec une belle montée qui emmène vers des terres plutôt ambient.

Au morceau suivant, le clavecin revient accompagné d’autres instru, pour nous emmener sur les terres de Morricone, en mode électro dark. Le chant de Lopatin est corrigé par l’auto-tune sans vergogne, mais plutôt parce qu’il ne chante pas juste de son propre aveu, que par effet de style. Du coup ça passe plutôt bien, étant donnés les moments où il intervient, c’est-à-dire en général sur de jolies ballades assez inspirées, quoiqu’un peu standardisées, dans la mouvance d’une électro pop un peu trop entendue.

UN MOMENT A LA FOIS SAGE ET SAUVAGE
Il n’en reste pas moins que les compositions sont brillantes et le spectacle de qualité. On se retrouve souvent sur le fil, entre musique de film, ballade électro, new jazz, musique concrète v3.0 et symphonie expérimentale convoquant tous les instruments et sonorités (réelles ou synthétisées) de la planète. Les images sont à l’avenant, tantôt contemplatives, tantôt angoissantes, futuristes ou non, quelques squelettes  et masques à gaz en 3D animée version Windows 95 viendront danser. Evidemment quelques chiquenaudes bien abrasives viennent nous remettre le cerveau en place tout en nous retournant le thorax, histoire de rester vigilant en morflant un peu.

Mention spéciale au batteur dont le jeu entre jazz, pop et contemporain/expérimental était bluffant, ainsi que la  qualité de jeu de la claviériste.

J’ai été moins enchanté : 1) d’être assis comme un vieux, 2) par les secondes voix auto-tunées de son comparse bidouilleur, 3) les sortes de choeurs d’enfants synthétiques sur une musique quasi oecuménique qui m’ont fait me demander si son prochain projet ne serait pas la BO d’un nouveau Roi Lion…

Globalement, si l’on retrouve les origines bruitistes ultra angoissantes de Oneohtrix Point Never, on a surtout droit à de beaux moments de grâce suspendue par un artiste sensible qui expose ses questionnements certes tourmentés mais maîtrisés, dépouillés d’un certain affect pour en faire émerger une forme de beauté étrange et absolue, à la façon d’un pot pourri.

Texte et vidéos A. Cangy
Photos © Sarah Bastin

Qualm – Helena Hauff

 

Originaire de Hambourg, un cursus aux Beaux Arts et un diplôme en Systematic Music Science and Physics (sic!) en poche, celle que Crack Magazine a consacrée en 2017 « The most exciting DJ in the world (right now) » n’en était déjà plus à ses débuts lorsqu’elle sortit son 1er opus Discreet Desires en 2015. A défaut d’un Red Bull, le Pump up the Jam de Technotronic déniché d’occas’ et offert par sa grand-mère lui aurait-il donné des ailes ? Ce que l’on sait c’est que le DJing fait très tôt partie de son ADN, et que les jams minimalistes et nerveuses sur quelques machines analo constituent son modus operandi en terme de production.

LA REINE DES NEIGES – LE RETOUR

Son 1er album Discreet Desires, parlons-en vite, m’avait mis une bonne claque, comme à beaucoup d’autres. Electronica cold en mode post-punk tutoyant l’acide la plus sombre basée essentiellement sur une TR707 fiévreuse comme leitmotiv rythmique et des gimmicks qui fleurent bon la TB 303 a tôt fait d’instituer Helena Hauff comme la nouvelle voix d’une techno minimaliste mais protéiforme, sans concession, viscérale comme le désir, comme on n’en avait pas entendue depuis longtemps.
Son double LP suivant, A tape, est une compilation de ses premières productions, entre 2011 et 2014 donc, souvent saisies lors de lives inspirés. Cette electronica parfois plus convenue, parfois plus joyeuse, laissait cependant déjà entendre que la dame que l’on croyait de glace nourrissait des velléités d’explorer des territoires plus lointains voire abscons, écornant ainsi une étiquette peut-être trop rapidement apposée à son style, trop étroite pour son talent en tout cas, tout en restant fidèle à ses intuitions rythmiques. La (double) dernière galette  parue chez Ninja Tune discrètement cet été en est une preuve supplémentaire.

KEEP QUALM AND MAKE SOME NOISE

Titre ambivalent s’il en est, Qualm signifie en anglais « scrupule » et en allemand LV2 « fumée ». Effectivement on ne saura pas toujours sur quel pied danser tant le spectre abordé est large. Dès le premier track, Helena Hauff annonce la couleur, ce sera très organique voire abrasif. En effet, ce morceau au goût très tribal me rappelle pas mal ce que l’on peut entendre ces temps-ci lorsque l’on passe ses soirées dans les dernières caves parisiennes et autres friches industrielles de l’autre côté du périph’ reconverties en lieux de fêtes libres où le harsh noise est régulièrement mis à l’honneur. La saturation sur les drums est reine, c’est manifeste et ça fait du bien. Même si cela devient une tendance lourde au point que les constructeurs (français, japonais ou danois) intègrent une section overdrive à leur drum machine après l’avoir fait sur leurs synthés, piquant l’idée aux artistes DIY sans le sou qui se débrouillaient jusque-là avec une pédale ou un Tascam 4 pistes K7. Bref, je digresse mais Barrow Boot Boys, Hyper-Intelligent Genetically Enriched Cyborg et No Qualms envoient clairement de la choucroute.

DESIRS DISCRETS

Avec cet album,Helena Hauff va plus loin, en assouvissant ses « désirs discrets » d’expérimentations, ambient d’une part (Entropy Created You And Me, The Smell Of Suds And Steel, Qualm) teintée d’un certain goût pour les musiques de film SF (Fag Butts In The Fire Bucket pourrait très bien être l’OST d’un prochain Carpenter), ou plus inquiétantes, plus troubles, moins identifiables (Primordial Sludge, Panegyric). L’ossature minimaliste n’en reste pas moins prégnante et nous ramène régulièrement à une certaine forme d’urgence primitive et originelle.
Le tout, moins cold et plus charnu, constitue donc une belle mue, à la fois polysémique et polyrythmique pour finir sur un track ambigu, en forme d’interrogation qui dirait « what’s next », quelle saveur aura le prochain disque, ou peut-être à quoi ressembleront les 10 prochaines années, que l’on ne nous prédit pas de très bon augure si l’on en croit les voix grandissantes de la collapsologie.

Pour ma part, je continuerai de suivre le travail de cette jeune femme devenant peu à peu une figure incontournable, comme a pu l’être Ellen Alien à son époque. OK peut-être pas, mais c’est tout le bien qu’on lui souhaite, mais shhh, keep calm, listen and dance…

– Alexis Cangy –

Qualm de Helena Hauff chez Ninja Tune

BONUS \/^^\/

Un bestiaire alternatif garanti DIY sans OGM au FGO ? OMG !

 

On est en juin et il commence à faire chaud. Certains se mettraient déjà bien à poil mais ce soir j’opterai plutôt pour des plumes, celles d’un canari maléfique par exemple, ou encore celles de ces trois formations qui ont décidé d’écrire des chansons différemment.

Bernard Grancher and the GBBG

Bernard Grancher et son acolyte de circonstance, Yan Hart-Lemonnier, sont assez rares sur Paris pour que cela constitue une assez bonne raison de venir ce soir, au-delà du fait que chacun figure en bonne place parmi les disques que j’écoute régulièrement.

Les gars d’la compta
Tels des cadres du service comptabilité un brin excentriques évadés d’un apéro-plage à la Baule, ces férus de bidouillages électroniques contrariés se présentent en chemisettes blanches impeccables, pantalons rouges simili cuir et… pieds nus (je n’ai pas vérifié s’il restait du sable). Ca leur va plutôt bien.

Le cocktail GBBG c’est un peu Boris Vian et George Perec remixés par Gary Numan et Aphex Twin, avec une pincée de Plastic Bertrand version 2.0.
Avec déjà 3 albums au compteur, Bernard Grancher (qui semble affectionner les éviers double bac autant que Duchamp affectionnait les urinoirs) déroule son répertoire de chansons électro-pop aux textes grinçants de trivialité décalée et parfois d’amour. Entre le regret d’avoir cassé la machine à fabriquer La famille idéale, une ode à La femme, l’observation des Chèvres (parabole sur Panurge et ses moutons), et les joies de l’héritage, il dégobille l’absurdité du consumérisme, de la « normalité » et des humains en général avec une attitude assez rock n’roll pour un mec en chemisette.


Merci Bernard !
La qualité des jeux de lumière sublime le tout tandis que les beats de Yan commencent à faire leur effet sur mon petit corps en manque de déhanchements. « Allume le moteur » clame Bernard dans l’un de ses derniers morceaux, et en effet, aucun retard à l’allumage n’est à constater en ce début de soirée, avant d’enchaîner sur les errements bizarroïdes qui vont suivre.

Les Trucs

En tapant Les Trucs dans une barre de recherche, on se fait vite suggérer “Les trucs de fille”, “Les trucs rigolo”, “Les trucs qui font peur” ou encore “Les trucs à faire à Paris”. Et bien disons qu’en l’occurrence, voir Les Trucs au FGO Barbara à Paris ce soir-là, ce fut un peu tout ça à  la fois ^.^

J’irai chanter chez vous
En effet, si poser du matos sur des praticables au milieu du public afin de favoriser un contact direct avec ce dernier n’est plus inhabituel, la surprise viendra plutôt des tenues du duo, entre Devo et Antoine de Maximy, et leur présence scénique.

Appareillés tels des Ghostbusters revenus d’un futur improbable, pédale d’effet et interrupteur à la ceinture, des “machins” (pour ne pas dire des “trucs”) noirs dans le dos servant d’alimentation aux cols de cygne éclairant leur visage, Charlotte Simon et Toben Piel sont venus présenter leur 3e album “Jardin du boeuf” (c’est d’ailleurs officiellement leur release party).


Wir sind die roboten
Les Trucs se définissent comme des êtres mi-humains mi-robots, reprenant ainsi l’héritage de leurs aînés de Düsseldorf (je vous laisse deviner lesquels). Leur set tient plus de la performance que du live cadré. Avec une énergie généreuse et communicative, ces humanoïdes nous serviront une choucroute électro expérimentale vitaminée aux saveurs lointaines de cabaret déstructuré qui remue le poitraille et les guiboles pour le plus grand plaisir de fans absolus comme d’enthousiastes curieux, comme moi. Pour être tout à fait clair : ça y est on est chaud bouillant pour la suite.

Infecticide

Ceux qui m’ont déjà accompagné les voir savent que je ne jure que par eux pour perdre 10 litres d’eau en moins d’une heure. En effet, ces pieds nickelés de la chanson française (hu hu) proposent une formule explosive, propice au lâcher prise incontrôlable, voire à l’hystérie la plus totale.

C’est toujours avec fébrilité que l’on découvre leurs costumes (fin 2017, un super-héros au cerveau à l’air libre, accompagné d’un lutin et d’un homme des cavernes, il y a quelques mois ils étaient grimés en livreurs à vélo “Infectifood”, et caetera et caetera). Je suppose que ce goût inaltérable pour les déguisements décalés, bizarroïdes, parfois ridicules, vient du fait que 2 d’entre eux au moins sont comédiens de métier.

La ferme aux animaux
Ce soir nous aurons donc droit à un poussin avec des dents au regard revanchard, un cochon bad boy nonchalant et un mouton terrorisé (Jacques de Candé est à chaque fois magique dans le rôle du personnage brimé, persécuté, ou simplement viscéralement anxieux).

On peut y voir éventuellement le prolongement d’une forme de tradition de la scène alternative française fin 80’s / 90’s qui mettait un point d’honneur à s’habiller n’importe comment pour dénoncer les maux de nos sociétés avec des paroles “rigolotes”, ou pas (ex : Ludwig Von 88). Sauf que chez Infecticide, les textes sont réduits à leur plus simple appareil, évoquant avec d’autant plus de violence rentrée, “froide, dure, sèche”, la bêtise – je pense que c’est le terme le plus approprié – qu’ils cherchent à dénoncer. Tout porte à croire que ces dingos ont décidé de faire de la régression un art à part entière qui fait à la fois réfléchir sans y penser, ou peut-être l’inverse, mais surtout danser et se marrer. Car il s’agit bien de cela avant tout, comme me l’a un jour confié Thomas Suire, chanteur-bidouilleur du trio : Infecticide, c’est leur terrain de jeu privilégié, de l’auto-dérision à l’état pur entre potes qui n’ont pas envie de se prendre au sérieux (sans pour autant ne dire que des conneries).

Régalade générale !
Nettement moins drôle, mais tellement libératrice, leur musique, comme leurs textes, est plutôt dépouillée mais assez puissante pour retourner une salle entre EBM (on pense notamment à DAF), psycho-billy et techno ascendant cold-wave indus (?!). Bref, un tas de trucs qui ont l’air froid comme ça et qui, en fait, font salement danser les gens qui s’en foutent et aiment se jeter les uns sur les autres en souriant. Ainsi parmi leurs inénarrables classiques (Comme une gomme, Bagarre générale, Prehistoric, Pourquoi pourquoi, Une petite motte de peur, Petit tricheur), se glisseront leurs plus récents Qui a mis le feu à la voiture de la police ! et surtout Un monde en forme, plus terrible et hilarant que jamais.

Et le concert de filer à une vitesse qui me surprend toujours. Et j’ai encore perdu des litres d’eau en 45 mn, appareil photo pendouillant au bout du bras. De fait, grâce (encore une fois) aux belles lumières en fond de scène, j’ai eu parfois l’impression que le volatile que je photographiais était un Ziggy Stardust venu d’une dimension parallèle, sûrement une hallu dûe aux endorphines.

Pour conclure d’une façon qui comme moi ne tient peut-être pas bien debout, si “Le rire est le propre de l’homme” comme le disait Rabelais, alors Infecticide en sont les Animaux Sauvages 😉

Texte et photos A. Cangy
[Cliquer pour agrandir]

Bernard Grancher (w/ Yan Hart-Lemonnier)

Les Trucs

Infecticide

 

Le retour du Marquis (un samedi soir à Villette Sonique)

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Après le remue-ménage qu’a connu le festival en début d’année avec le départ de son programmateur originel (Etienne Blanchot, qui aura tout de même réussi à caser les artistes de ce soir-là, entre autres, merci à lui), je ne savais pas trop sur quels pieds j’allais danser. Accred’ photo en poche, j’arrive motivé mais un brin fébrile tout de même.

EXPLODED VIEW

Anika Henderson, à l’origine journaliste politique, a commencé sa vie de musicienne/chanteuse en 2010 en rejoignant Beak> à l’initiative de Geoff Barrow pour un album de reprises qui s’appellera de fait … Anika et dont chacun se fera une idée. Elle fondera ensuite Exploded View, basé à Mexico. Leur premier album sorti en 2016 chez Sacred Bones puis un EP engagé en 2017 leur auront permis de figurer parmi les groupes à suivre.

Pas vraiment explosif
Leur set, aux teintes crépusculaires, fait la part belle à des tracks mid-tempo aux guitares brumeuses, aux rythmes travaillés et soutenus par un synthé discret mais présent.  De sa voix fantomatique, légère comme l’éther, Anika et sa bande enchaîne les titres entre dream pop et dark rock envoûtant. Son immobilité échancrée d’une gestuelle minimaliste et gracieuse, comme un saupoudrage, peut agacer ou charmer tout à la fois. Sympa, la grande blonde aux chaussures noires quittera sa position fixe pour venir chanter un peu plus près du public, pour un court moment.

Less is more
Leur musique évoquant plutôt un cocon, la scène est peut-être un peu grande, chacun étant disséminé dans son coin alors qu’on les verrait mieux jouer ensemble avec plus de proximité, comme en famille. On les sent pas forcément à l’aise dans cette configuration. Ils se rassembleront d’ailleurs, notamment pour le rappel où le batteur troquera son instrument pour une guitare qui conclura ce set parfait pour une entrée en matière quoiqu’un peu amorphe et manquant de charisme. Ce que les deux prochains bands ne pourront que confirmer, en comparaison.

ANNA VON HAUSSWOLFF

Très attendu, tellement son dernier opus nous a soufflés (chez Wisesound et ailleurs), rarement un show m’aura laissé autant dans l’expectative. Or en découvrant une scénographie compacte, fournie, les musiciens se trouvant au même plan en front de scène, sauf peut-être le mec aux synthés, je sens qu’on va assister à quelque chose d’inhabituel.

Ténèbres lumineuses
Juchée derrière un orgue électronique en surplomb du reste au milieu de la scène, AVH (ouais désolé c’est pas très stylé mais plus court) apparaît telle une prêtresse venue célébrer le grand sabbat, toute en ombre découpée par une lumière violette projetée par derrière.
Un long drone d’orgue et de basse à l’archet (The Truth, The Glow, The Fall) nous plonge d’emblée dans un monde obscur dans lequel sa voix pénétrante nous accompagne, entre Julee Cruise, Loreena McKennitt  et Lisa Gerrard (parentés vocales qui me viennent immédiatement à l’esprit la concernant pour cet album) initie ensuite un mouvement de balancier, invitant à une lente transe chaleureuse et réconfortante, une sorte de béatitude.

Au deuxième morceau (The mysterious vanishing of electra, où là on pense direct à PJ Harvey), on comprend qu’ils vont dérouler le dernier album (chouette), entre drones vrombissants et rock épique, répétitif et intense (Ugly and Vengeful qui n’en finit pas de provoquer l’abandon le plus total de nos sens), jouissif pour tout dire.

La messe est dite !
Même si j’attendais ça de pieds fermes, ma cage thoracique en prend un coup (la faute aux subs à 30 cm de distance ? ;)), surpris et ravi de la puissance déployée ici et de la communion entre les musiciens (entre eux) et leur musique. AVH (ouaip sorry , encore) chante à gorge déployée, utilisant toutes les nuances de sa voix, secouant la tête en tous sens accrochée à son clavier, tantôt en mode déesse conquérante, tantôt à genoux avec un énorme harmonica, ou encore en elfe rock and roll avec sa guitare folk modèle Jumbo, et ses compagnons, frères et apôtres, accompagnent cette grand messe avec une belle ferveur.

Sa présence scénique, intense, habitée, généreuse, sensuelle emporte tout sur son passage. Créant à l’unanimité une vague d’adhésion et de plaisir parmi le public, nous voilà parcourant les limbes extatiques d’une musique quasi chamanique, prompte à envahir les tripes pour pénétrer le coeur et illuminer l’âme. Me voilà totalement converti, amen.

MARQUIS DE SADE

Reformation bidon ou retour en grâce ?
Costume noir, étoile rouge au col, simple t-shirt sous la veste, Philippe Pascal, leader charismatique du groupe venu de Rennes qui a remué la scène punk française entre 77 et 81 (et pas que, ils sont même passés chez Le Luron, ouais ouais !!!), commence par « Nous étions Marquis de Sade ». Et bam ! Faut dire que ça pose comme introduction, en mode « comme ça c’est clair ». En d’autres termes, “Pas la peine de se faire un film, ce n’est pas un retour, juste un bon moment à passer”.  En même temps, on connaît l’intégrité du bonhomme (ainsi que les bisbilles internes avec son “frère ennemi” de guitariste Franck Darcel), on en n’attendait donc pas moins.

The Thin Black Duke
Cerné de spots de cinéma vintage géants, le combo entame sa tracklist en trombe, avec une rigueur et une énergie qui ne faibliront pas durant tout le show.
Magnétique et sensuel, Pascal capte une bonne partie de l’attention avec sa gestuelle expressionniste et son air de dandy dark, tandis que ses compères jouent leur partition avec détente voire un certain plaisir non dissimulé.
Un court intermède au saxo nous permet de reprendre souffle avant d’enchaîner sur Smiles.

Uberraschung !
Arrive ensuite la première “surprise” de la soirée, M. “ex-Jeunes gens modernes” Etienne Daho vient donner la réplique au Marquis sur une reprise du Velvet Underground (Ocean). Bon, pourquoi pas, pas sûr d’apprécier la plus-value à sa juste valeur, Daho faisant grise mine, tout immobile qu’il est aux côtés du maître de cérémonie, je me laisse quand même porter par le courant de cet océan nostalgique.

Le groupe reprend ensuite le fil de son catalogue entre post-punk endiablé et rock nerveux d’excellente facture, en anglais (Walls, S.A.I.D…), français et allemand (Conrad Veidt, Nacht und Nebel).

OMG
La seconde surprise sera plus surprenante et va plonger le public et moi-même dans une certaine “perplexitude”. En effet, le groupe a décidé de confier le featuring de Wanda’s loving boy au demi-dieu de la variété française 90’s, j’ai nommé Pascal Obispo. En clair, on a tous envie de danser, mais quelque chose nous englue les pieds au sol, puissance U-hu, accompagné d’une légère nausée.

Heureusement ça ne durera pas longtemps et nous reprendrons le plaisir là où nous l’avions laissé le temps de ce trou d’air. La bande du marquis enflamme la salle jusqu’à la fin, même jusqu’au pogo (faut dire que le gars ultra fan qui a beuglé pendant tout le concert à côté de moi a fini par trouver des copains pour jouer).


[Vidéo de « Orson755 »]

Mention spéciale aux vidéos d’époque, extraits de films expressionnistes et autres illustrations troublantes évoquant la noirceur de la condition humaine qui auront admirablement servi de toile de fond à ce moment d’anthologie.

La soirée se terminera par un simple rappel, on sent (encore une fois) que l’idée n’est pas de s’appesantir sur un passé révolu. Quoiqu’il en soit, tout le monde ressort avec le Smiles et un petit goût de trop peu/reviens-y. Comme quoi, le groupe le plus sexy (aux textes poético-engagés) du début des 80’s nous aura rappelé qu’une bonne fessée de temps en temps, ça ne fait pas de mal !

Texte et photos Alexis Cangy
[Cliquer ci-dessous pour agrandir]

Marquis de Sade

Anna Von Hausswolff

Exploded View

New Material – Preoccupations

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Démarré il y a 6 ans sous le nom Viet Cong, Preoccupations déboulaient avec leurs états d’âme en proposant un post-punk qui a fait dresser l’oreille à plus d’un avec ses rythmiques plus rock tribales que cold, une énergie propre au style, mêlant dépouillement rêches et lignes mélodiques parfois alambiquées, un chant éraillé et nerveux, des phrasés de guitare new wave et saturés mais pas que, avec des séquences de synthés aux ondes plus rondes que carrées donnant une forme de respiration spirituelle.

Après un deuxième album plus accessible que le premier, au chant plus présent et plus travaillé, des rythmiques plus variées, le groupe de Calgary revient avec un nouvel opus titré New Material (Nouveau Matériel, sic!), titre anecdotique comparé au propos et à la force qu’il déroule le long de ses 8 tracks sans ambage.

Plutôt que du neuf, le groupe pousse le bouchon un peu plus loin en faisant la synthèse des deux précédents, conservant l’aspect frontal et duraille du 1er et l’abord plus ouvert et « enjoué « du 2nd, si l’on occulte la noirceur qui sous-tend l’ensemble.

Celui-ci gagne en puissance et en cohésion, on sentirait presque une certaine ampleur. Le 1er titre entre directement dans le vif du sujet, que l’on sent récurrent à chaque titre. Celui de notre société numérisée où chacun s’espionne à ciel ouvert, (se) laisse faire et s’engouffre dans son propre narcissisme, nos relations en forme d’eau stagnante, où nos individualismes exacerbés et complices du non-sens environnant se croisent fébrilement, les bras ballants et sourires extatiques pour masque d’un quotidien que plus personne ne cherche à défendre ni combattre, résignés. Dystopie ou triste réalité ? Chaque morceau nous rappelle que nos agissements tiennent plus de l’agitation que de l’acte, nos relations un jeu de miroirs vides de reflets signifiants, et le tout un système complexe que nous avons nous-mêmes perfectionné avec soin mais qui n’est au final qu’un voile de cendre et de fumée. Et oui, il est intéressant de lire les paroles et d’en extrapoler quelques interprétations parfois.

Peut-être un brin pontifiant, le constat est assez pessimiste et acerbe, la musique oscille entre frénésie extatique et fébrilité cotoneuse, reprenant les racines du genre (le charley de Espionage fait quand même vachement penser à celui de A means to an end de Joy Division), tout en conservant sa singularité. Le chant se fait plus choral par moments qu’auparavant (on entendrait presque parfois la douceur de Martin Gore pour les choeurs ou le lyrisme d’un Ian MacCullock) alors qu’on sent que la voix est mixée moins en avant que pour le 2 opus.

Certains titres claquent comme un coup de fouet pour nous réveiller (Espionnage, Decompose, Antidote), d’autres plus mélancoliques (Disarray, Manipulation, Doubt) nous renvoient à notre torpeur. L’album se conclut sur Compliance, un morceau épuré, percussif, qui semble vouloir nous redonner foi. Alors New Material ou pas, Preoccupations creuse le sillon de sa différence dans une new-wave très rock, exploratrice et primitive, inspirée et intègre, à la fois franche du collier et sophistiquée, et relativement accessible… enfin, pour qui ne cherche pas à se voiler la face en buvant cette fiole de fiel multivitaminée.

– Alexis Cangy –

New Material de Préoccupations, chez Jagjaguwar Records
Vinyle dispo sur Amazon

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APTBS : A place to bury your ears…

 

A Place To Bury Strangers (APTBS pour les intimes) est passé au Trabendo nous présenter son nouvel album Pinned (aïe !), tout frais sorti chez Dead Oceans. Ca n’affiche pas complet et pourtant la salle est comble, entre fans surexcités et novices prêts à se laisser tenter, sans se douter qu’en fait on va tous se faire bousiller en moins de temps qu’il n’en faut pour épeler le mot N.O.I.S.E.

En effet, dignes rejetons de la scène No Wave bruitiste de la côte EST des USA, les APTBS ont un certain AFD (Appetite For Destruction), leur rock incandescent puisant autant dans le post-punk énervé, la dark wave moite, l’indé noisy, le psyché saturé, voire le shoegaze qui s’ignore et autres joyeusetés fuzz.

[Il faut dire qu’ils fabriquent eux-mêmes à la main leurs propres pédales fuzz, delay, et reverb (mais avant tout fuzz) destinées en général à ravager complètement le signal de toute source sonore passant par là. Elles sont d’ailleurs commercialisées sous la bien nommée marque Death by audio (vénérée par les expérimentateurs qui ont les moyens]

Dès le premier morceau, on prend trois baffes pour finir plaqué au sol et malgré tout, on en redemande. Une fumée digne The Fog nous enveloppe bruyamment et nous voilà plongés dans une pénombre rugissante à réveiller quelqu’un qu’on viendrait d’enterrer (haha). Et une première basse fracassée à terre alors qu’on ne s’est même pas relevés !

On enchaîne direct avec Never coming back du dernier opus qui met tout le monde d’accord avec son mantra qui fout la transe. Ainsi les morceaux s’enchaînent dans une fureur digne d’une comédie musicale façon Mad Max Fury Road.

Lia Simone Braswell, batteuse émérite, nous octroiera une pause syndicale avec un instant vocal puissant et bluffant, accompagnée d’une « simple » cithare. Mais rapidement la basse gonflée à bloc de Dion Lunadon, la batterie massive et la guitare maladivement rageuse d’Oliver Ackermann reviendront au galop nous envoyer à la face leurs harmoniques suffocantes.

Au bout d’une heure de ce déluge sonore, le trio se rassemble subrepticement au milieu du public, comme dans une coquille, pour un set plus électro indus, le temps de trois morceaux dont certains sur la face bonus du dernier album.
Puis de retour sur scène après cet interlude rafraîchissant comme 30 mn passées dans un sauna, la tempête reprend de plus belle, en plus punk, plus rapide, rugissant encore, plus fort. Cette fin de set prend des allures d’expédition punitive en vue d’une destruction définitive des conduits auditifs, ça pogote et slamme à tout va dans la fosse. La conjonction des planètes n’était décidément pas du côté des photographes, avec cette atmosphère alternant brouillard RVB, ténèbres enfumées et flashs stroboscopiques décidés à engendrer une nouvelle génération d’épileptiques dopés au bruit blanc réverbéré.


[Et oui, à un moment je tombe mais ne lâche rien ! ;)]

Après une grosse montée d’adrénaline répétitive pour le dernier track, tout s’arrête, pas de rappel, fin, the end. On se retrouve, tout penauds, au bar, sonnés et assoiffés. Les « Comment ? », la main en pavillon contre l’oreille, fusent de partout, moitié pour la blague, moitié sérieusement.

Le groupe semble bien être ce dont il se vante : le plus bruyant de Brooklyn et certainement de tout l’univers. D’ailleurs ils devraient s’appeler A place to bury your ears…

// AFTER (work) //
Prévenus d’un after en mode DJ set au Supersonic, nous nous y rendons gaiement. Et là, surprise, les mecs passent des trucs qui n’ont rien à voir, de la variét’ internationale 90’s entrecoupée de sons rock noise, qui au final nous aurons aidés à finir la soirée en dansant en toute insouciance, on en aura profité pour leur taper un high five dans la jovialité la plus totale. C’est bon de rire parfois… aussi.


[Oliver – à droite – Hamster Jovial et ses louveteaux]

Texte et photos : Alexis Cangy / exceptée photo « pénombre » ©Marine Renard

Essaie Pas – New Path

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Découverts grâce à un 1er single dingue Danse sociale chez Teenage Menopause Records il y a 2 ans, le duo québécois revient avec ce que l’on peut considérer comme leur 3e album (leur 2e chez DFA), remarquable à plus d’un titre.

D’abord évidemment parce qu’il est rare qu’une œuvre musicale s’affilie aussi clairement, directement à une œuvre littéraire. En l’occurrence un roman (A scanner darkly / Substance Mort) abordant la distorsion des sens et des relations sociales en mode perché 24/7 et surveillance télévisée, écrit par le maître des réalités divergentes, Philip K. Dick. Le duo Davidson/Guérineau aura poussé l’hommage jusqu’à la pochette, bleue, avec cette sorte de fleur du mal en tracé.

Ensuite, parce qu’il prolonge et creuse le sillon des précédents opus, notamment Demain est une autre nuit, tout en prenant un tournant plus affirmé vers une techno sombre et texturée.

Enfin, tout simplement parce qu’il est excellent !

Qui peut le moins peut le plus

Reprenant la nomenclature de ses prédécesseurs, cette nouvelle sortie propose 6 titres compacts, en général assez nerveux, avec souvent un froid ressenti de l’ordre de -20° (Canada oblige) cependant hyper organique.

Les Aphides nous plonge dans un univers oppressant par un rythme lancinant, comme une pulsation cardiaque. A grand renfort de gargouillis sonores divers et variés, parasites en tout cas (les aphides – ces pucerons dont il est question ?), nous pénétrons donc, à petite dose, dans ce monde angoissé et angoissant où les pistes ne cesseront de se brouiller, entre paranoïa et schizophrénie.

La posologie prend un coup de fouet dès le second morceau. Futur Parlé démarre de façon très sombre (coups de synthé à la serpe horror 80’s façon vicelarde puis arpège mineur qui donne le tournis) pour envoyer un beat bien ferme doté d’un arrangement relativement éthéré (nappe et choeurs), plus mesuré qu’au départ. Avec sa voix-off-féminine-vaguement-robotique, entre conscience précog et IA profétique, ou simplement délire métaphysique d’un type « high », Marie Davidson nous interpelle pour nous rappeler que « l’avenir, ça n’existe plus depuis longtemps », « seulement les événements et les dates comptent », et que « le futur est parlé » (sic !). Comprenne qui peut. Toujours est-il que la perte de repères s’annonce grandissante et interroge dès lors, comme l’a toujours fait K. Dick, le principe même de réalité, à l’image du clip proposé.

Petite pause hautement funky et déviante avant les 2 prochains tracks tendus voire épileptiques, Complet brouillé est un curieux mélange de Kraftwerk, Prince et le hip hop des débuts (Afrika Bambaataa). Partant d’un rire, à la fois insouciant et démoniaque, on a l’impression de déambuler dans les rues de LA ou les couloirs d’une soirée, vêtu de ce « complet brouillé », entre cape d’invisibilité, car elle masque la personne qui la porte, et le costume-camouflage permettant de revêtir de multiples personnalités fictives lors des opérations d’infiltration. On saisit ça et là des bribes de conversations, ou bien est-ce déjà la folie qui gagne du terrain, profitant de l’engourdissement des sens et du cerveau sous prod avec toutes ces âmes virtuelles qui composent ce complet, et fait entendre leurs voix ?

Avec Les Agents des stups, on entre dans le dur du sujet. Descente de stups ou plongée définitive dans le vertigineux abysse des paradis artificiels dont chacun abuse dans le roman, le duo balance ici son track le plus nerveux, et aussi le plus jubilatoire.

On reconnaît la pâte du duo canadien dès les premières notes de basse au filtre tendu comme un string (Danse Sociale n’est pas loin). Un kick bien sec style TR707 s’emballe et mitraille pour nous prévenir qu’aucun répit ne nous sera accordé. Quelques breaks de toms plus tard, le kick se fait plus martial pour un beat archi sec, ultra vitaminé et jubilatoire, tandis qu’une sorte de sirène vient pousser sa plainte déchirante par intermittence, le tout évoquant une course poursuite, une fuite amok, vers une perdition finale, inévitable, dans un halètement qui s’éteint peu à peu.

Sorte de levure chimique en capsule portant à leur point culminant les fantasmes et les peurs les plus puissantes de ses usagers, la drogue dont il est ici question s’appelle Substance D (comme Dead en VO) et M (comme Mort par chez nous). L’on se retrouve alors avec le track du même nom au cœur de la matrice de personnalités éclatées aux sens démantibulés dans laquelle plonge la prise en quantité déraisonnable et répétée de cette Substance M, ou bien est-ce l’état de manque qui est décrit ici ? A un sound design cold à souhait succède une rythmique solide donnant l’impression d’avancer/reculer, bass-drum contre kick medium, soutenu d’arpèges à la limite de l’acide ou de la transe. Entre succession de couloirs de conscience, perdu dans ce labyrinthe réverbérant des « moi » suspendus, on cherche la porte de sortie, sans savoir si la mort ou la lumière se trouve au bout.

Cerise sur le marteau, le dernier titre prend tout le reste de l’album à contrepieds. New Path est un programme de désintoxication ambigu et mystérieux (sans vouloir spoiler ceux qui voudraient lire ou voir l’histoire), et c’est le nom donné à l’album. C’est aussi le morceau le plus sombre, décharné, arythmique de leur répertoire. On se retrouve dans une sorte de no man’s land qui sent la lobotomie, peuplé de réflexions simplistes et mystérieuses sur fond d’ambient dark et « déconnectée », entreVol au-dessus d’un nid de coucous et Blade Runner (tiens tiens, ce serait pas du même auteur ?). C’est audacieux de terminer de la sorte. En tout cas, volontairement ou non, cela retranscrit également très fidèlement l’amertume avec laquelle l’auteur a écrit ce roman (voir la « Note de l’auteur » à la fin de l’ouvrage).

Ca fait du bien quand ça fait mal

Evidemment New Path peut s’écouter sans connaître rien de l’histoire, ex nihilo, et il s’agira d’un très bon album techno minimal darkwave efficace avec cette touche « bande originale futuriste » qui lui du corps, une certaine épaisseur. Mais il réussit tout de même le tour de force d’évoquer des enchevêtrements contradictoires et complexes de type angoisse/plaisir, paranoïa/lâcher prise, perte de sens/acuité sensorielle, bref, ce petit cocktail de sensations équivoques que certains auront déjà peut-être exprimentées.

Pour ma part, j’ai pris double plaisir à l’écouter en revisitant le roman dans ma tête.

New Path
chez DFA Records
Alexis C.[…]

 

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Oui mais encore – A scanner darkly (le film)

Pour ceux que cela intéresse ou qui auraient la flemme de lire, une adaptation « cinéma », plus précisément prise de vue réelle avec une surcouche dessinée-animée façon GTA, a été réalisée par Richard Linklater en 2006 avec un casting de « malade mental » si j’ose dire (Keanu Reeves, Wynona Rider, mais surtout les excellents Woody Harrelson et Robert Downey Jr). Osé, sur la forme, et réussi dans l’ensemble, à voir absolument !

 

Gonzaï Night Octobre 2017 : entre chaud et froid

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Pour sa première de l’automne à la Maroquinerie, Gonzaï nous a concocté une soirée à l’image de la météo : entre chaud et froid. Hasard du calendrier voyant approcher Halloween, ce fut l’occasion d’apprécier des artistes mi-anges mi-démons lors d’une grande messe à vrai dire plutôt païenne. Au menu : Casse Gueule, La Mverte, Matias Aguayo & the Desdemonas

CASSE GUEULE : pas tant que ça…

Avec un blase pareil, on se dit que ça risque d’être bancal, à défaut d’être bankable…
Et bien non et si un peu quand même, mais c’est comme ça que c’est bon. Seconde fois qu’on les voit en quelques mois et l’affaire semble bien rodée. Les synthés analo, posés dans la fosse entourés de néons, pilotés par deux savants fous, l’un en kilt un brin viking surexcité, l’autre en blouse scientifique, genre concentré, accompagnent cette grande bringue sérieusement déjantée qui fait office de chanteur.

Vêtu de son inénarrable combinaison bleu de travail, Jonn Toad, de son petit nom, sillonne les quatre coins de la fosse en chantant comme un ado en pleine mue vocale ses textes lucides sur notre condition d’humains ridicules (l’album s’appelle Dictature et mendicité, hein). Sans rien lâcher de son déhanché approximatif mais maîtrisé, Jonn vient régulièrement planter son regard dans celui d’une personne choisie au feeling ou au hasard, presque nez-à-nez (on y a eu droit aussi), comme pour être sûr que le message rentre bien dans le crâne, tandis que ses acolytes s’escriment au rythme de non pas une mais deux TR-707 (!). Tantôt pop-wave-80 tantôt EBM/indus, on s’amusera (oui on s’amuse beaucoup à un live de Casse Gueule) à reconnaître parfois l’adaptation musicale de quelques gloires du rock d’antan (Born to be wild des Steppenwolf – Né comme ça -, ou encore le Highway Star de Deep Purple – Quatrième voie -).
Bref, on pense un peu à du Début de Soirée cynique sous speed, et pour un  début de soirée, ça démarre plutôt bien.

LA MVERTE : la mort vous va si bien…

“- Tu fais quoi ce soir ?
 – Je vais voir La Mverte et d’autres groupes à la Maro…
– Ah ouais, La Muerte c’est le groupe belge gothic-blues des années 80, là ?
– Euh non, “là” c’est La Mverte avec un V.
– Avec un V ?!
– Laisse tomber, Viens, tu Verras bien…”
Cela fait un moment que nous le suivons, dans le sillage de son vaisseau-mère Her Majesty’s Ship. Après 2 EP impeccables (Through the circles et A game called Tarot) l’attente était grande d’entendre et voir jouer son premier album 
The Inner Out et disons-le tout net : dans les 2 cas, Alexandre Berly fait mouche ! A écouter les paroles des premiers titres du LP (qui aura bien usé le diamant de ma platine cette semaine), on pourrait se dire que ce dandy sombre à moustache est plutôt dans le questionnement romantico-existentiel (« Where am I, how to know, should I dive », « I Don’t know why I’m Still trying… »).

Et pourtant… Aux commandes de ses bécanes, on trouve un personnage plutôt sûr de sa proposition, sereinement habité par ses compos avec l’humilité qu’on lui connaît. Tant au chant qu’à la basse, La Mverte n’hésite pas à se mettre en avant pour nous partager son électronica façon italo disco maculée de Giallo bien sanglant (ah ces sons d’orgues, ces leads piquants et ces nappes au LFO inquiétant), sorte de croisement entre Bottin, DAF, Zombie Zombie et Carpenter (avec une pincée de Moroder – Rien ne se perd-) qui se seraient réunis pour faire de la musique de club. Se risquant parfois à un grand écart entre ses 2 stands de machines avec une aisance presque gracieuse, le garçon gère son set délicieusement sombre et sensuel de mains de maître (ce qui n’est pas sans rappeler un certain A. Rebotini) pour faire danser un public a priori déjà acquis, sinon conquis.


A noter : son compatriote de label et ami, Yan Wagner viendra enfoncer le clou là où ça fait du bien en venant chanter Crash course.

MATIAS AGUAYO & the Desdemonas : rites et chansons

Nous ne nous amuserons pas à retracer le parcours pour le moins intraçable de cet artiste protéiforme, Gonzaï le fait très bien ici…

On s’est en revanche un peu penché sur le cas de ce projet en écoutant l’album Sofarnopolis à plusieurs reprises et deux choses en sont ressorties : on a là affaire  à l’atmosphère particulièrement envoûtante, voire menaçante, mais aussi à quelques moments de creux où l’on aurait peur de sombrer dans l’ennui. Un sentiment mitigé donc, à vérifier en live.

Chemise chatoyante et keytar bricolée en bandoulière, Aguayo nous embarque dans son monde fantomatique, tissant une mythologie organique entre rêve halluciné et cauchemar complaisant, relativement éloigné de ce qu’il fait d’habitude, sachant qu’il n’a pas vraiment d’habitude. Soutenu par des Desdemonas bien enfiévrés, on voyage dans des méandres luxuriantes et moites, entre dub tribal, krautrock tropical et coldwave psyché langoureuse. A la tête de sa tribu perdue dans la jungle du temps, Matias se déhanche et chante comme une diva enchanteresse, faisant claquer des castagnettes sexy ou encore jouant de percussions synthétiques.
Au moment de Cold Fever, sorte de cold dub tout droit venu des catacombes,  de Nervous, en mode rumba Brechtienne extravagante ou du très tribal Boogie Drums, on est clairement sous le charme. La formation aura donc choisi les morceaux les plus entraînants du répertoire et c’est bienvenu (même si un morceau n’a clairement pas retenu notre attention). Et on se prend à regretter de ne pas avoir assisté à ça avec des prods pour être totalement dans le trip, tout en se disant que cette musique EST le prod (McLuhan, sors de ce corps) et qu’on est ravi de s’être immergé au sein de cette procession dont la bande son ressemble à un lointain écho de nos musiques post quelque chose de 1977 à 2017.

Encore une fois, la programmation de l’équipe Gonzaï, ne laissant personne indifférent.e ni indemne, nous aura fait voyager parmi des paysages musicaux hors des radars habituels, et c’est bien le moins que l’on pouvait en attendre en ce premier jour de vacances de Toussaint…

Textes et photos : Alexis Cangy
Remerciements : Gonzaï

Gonzaï Night : Allo l’éther ?

Pour sa première de l’année, Gonzaï nous a emmenés d’emblée en vacances d’hiver avec sa thématique cosmo-alpestre, entre godilles, schuss et ascensions vertigineuses, façon hors piste…

Hyperculte : hyperbien !

Il est des groupes dont on attend beaucoup en live tant leur musique semble taillée pour la scène et tellement rares les chances de les voir passer nous obligent à rester vigilants pour ne pas les rater. On espérait vaguement voir le duo helvète débouler à poils, autrement dit en fourrures intégrales, comme sur la pochette de leur LP survitaminé écouté presque en boucle ces derniers temps. Si la déception est mince de les voir accoutrés comme tout le monde, le plaisir de les écouter est grand.
Formation minimale s’il en est, Vincent  Bertholet à la Contrebasse + effets et Simone Aubert à la batterie kraut chauffent la Maro à l’aise pendant une petite heure en enfilant les perles de leur opus. Sur fond d’ambiances dronesques et noise, les deux acolytes balancent leurs textes espiègles, poétiques ou prophétiques (“Choléra”), nous invitant tantôt à une révolte festive, tantôt à une fin du monde hallucinée (“j’ai envie d’y foutre le feu”), ou encore à l’aube désinvolte d’une nouvelle ère, au choix. La batterie martèle ses rythmiques post-punk-mötörik (“Ca galope ça galope ça galope…”) non dénuées d’une certaine finesse (triplettes enlevées sur le charley), tandis que l’imposante contrebasse cale ses lignes pour se répéter à l’envi et nous mener vers la transe, c’est trippant.
Cette musique a quelque chose d’évident, de fluide et de sincère, le côté répétitif se faisant bousculer par les textes tirées au couteaux, aiguisant d’autant nos sens.
“Je n’veux pas me résigner” – nous non plus. A hyper-bientôt alors…

Turzi Electronique Experience : voyage voyage…

Baignant dans les expérimentations synthétiques depuis un bon moment, un certain nombre d’EP, remixes et LP au compteur, le versaillais est venu rendre hommage à la tête d’affiche, en toute humilité. Voyons donc ce que propose ladite expérience.
Ténébreux en veste militaire de l’ère communiste, Turzi s’installe négligemment mais consciencieusement au centre de son cockpit instrumental. Guitare en bandoulière, notre capitaine d’un soir déploie une longue nappe sonore visant à nous faire quitter la pesanteur terrestre : attention décollage.
Une fois sorti de la stratosphère, notre course aux étoiles prend rapidement sa vitesse de croisière avec une électro analogique et modulaire, qui n’est pas sans rappeler la kosmische musik germanique et la frange française de ces sonorités spatiales (R. Pinhas/Heldon ou les dernières compilations Cosmic Machine notamment).
Après avoir barroudé un petit moment dans ce mode un peu convenu, on rencontre une zone de turbulence, la Tr-808 martiale nous chahute et la reverbe touffue nous rappelle paradoxalement la menace du vide intersidéral.
Aux commandes de sa console, Turzi tient bon et reprend le cap. Notre voyage galactique reprend son cours et l’on se sent installé durablement dans un long morceau voué à s’étirer dans le temps tout en tentant d’abolir celui-ci. Il n’y aura aucune interruption. Et pour cause, de son propre aveu, il s’agit d’une totale improvisation (d’où les gestes et enchaînements parfois un peu hésitants).
Puis très vite on se retrouve à frôler un trou noir ou un trou de ver, on ne sait pas encore, le suspens est total, un synthé grave et rugueux renforçant l’impression de plongée dans l’inconnue. Notre guide fonce alors tête baissée pour le traverser, c’est une fuite en avant en mode techno sombre et organique, comme un tesseract réduit à  sa plus simple dimension, ouvrant néanmoins la voie à de nombreux possibles…
Ouf, on en sort toutefois indemne, on aperçoit la lumière au bout du tunnel. La dernière tirade synthétique commence comme un générique de fin de film SF 80’s de série B, puis le son s’étoffe, toutes machines et guitare dehors pour un final incandescent. On arrive à destination de cette longue quête intergalactique… mais où exactement, nul ne le sait, le passage spatio-temporel est resté ouvert…

Alpes, vers l’infini et l’au-delàààà…

C’est d’abord l’histoire d’une rencontre, celle d’un musicien-inventeur, Patrice Moullet, et de sa muse, Catherine Ribeiro, grande brune poétesse et chanteuse engagée. Les deux amants-artistes seront à l’origine d’un free rock expérimental prog psyché à textes qui aura discrètement marqué toute une génération d’esprits libres et libertaires. Pour l’histoire complète, voir l’article détaillé qui leur a été consacré par Gonzaï. Quoiqu’il en soit, finalement Catherine tombe à l’eau (façon de parler), qui reste-t-il sur le bateau ? Patrice L’homme-machines. En effet, créateur des “Omni” (Objets musicaux non identifiés), ce dernier poursuit le projet seul, et s’illustre dans différents domaines, installations sonores, projets d’aide aux handicapés plus récemment, etc. Mais revenons à nos moullets… euh à nos moutons.
C’est un autre périple auquel nous convie donc Alpes ce soir, avec ses machines bizarroïdes qui nous intriguent depuis le début installées en fond de scène, et ses deux acolytes du moment (Odile Heimburger, soprane et violoniste, et Alice Pennacchioni, pianiste de formation, qui sera ici  aux commandes du Percuphone). Coiffé de son bonnet, le monsieur tire les cordes de son Stretch pour nous plonger dans une tempête solaire, tel un dieu tisserand (tyran ?), ouvrier manipulant son outil avec application, artisan d’un outre-monde sonore. On se sent par moments comme dans la Horde du contrevent de Damasio.

Au morceau suivant, nous découvrons le Percuphone, sorte de hang/multipad en forme de soucoupe multicolore. Mêlant samples synthétiques, d’instruments classiques ou acoustiques, ou courts échantillons, violon et chant live, les deux jeunes femmes se répondent et virevoltent, façonnant ainsi progressivement un langage littéralement inouï.
Les tableaux alterneront ainsi tout au long de la soirée, le monsieur maniant son soleil d’argent pour produire des drones tantôt méditatifs tantôt techno-furax, ou encore jouant d’une sorte de « trancheuse à jambon » (désolé pour l’analogie) qui s’avère être un clavier avec seulement quelques touches ; ces dames célébrant sans vergogne des rites païens exotiques et protéiformes.


Improvisation ou non, certaines pièces sont un peu hermétiques il faut l’avouer, pas loin d’une avant-garde oecuménique et utopique, à la fois contemporaine, à la fois organique et foisonnante, voire anarchique. 
Plutôt que les Alpes, nous nous retrouvons donc à grimper l’Himalaya ou l’Everest, tellement les influences se devinent provenir de partout dans le monde et au-delà, étant donné l’esperanto musical proposé. Et comme il se doit l’ascension est tout à la fois galvanisante et éprouvante. A la sortie, on aura besoin de reprendre son souffle.

Ce soir-là, à n’en pas douter, nous avons gravi des sommets, souvent jusqu’aux étoiles. Et même si nous n’avons pas tout apprécié (à sa juste valeur s’entend, tant l’atmosphère était riche et saturée pour nos oreilles peu acoutumées aux contrées visitées), une chose est sûre, ces cîmes-là n’étaient pas de ce monde et nous ont fait nous sentir bien petits…
Merci Gonzaï pour cette première ascension sans concession.

– Alexis Cangy –

[Photos : Alexis Cangy]

“Let’s Limbo !” – Chronique d’un festival pas comme les autres

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Limbo, ce n’est pas seulement cette danse du bâton (avec l’accent), provenant des Caraïbes, très présente dans les navets 80’s et 90’s, qui consiste à défier les lois de la gravité en passant dessous, courbé en arrière. C’est aussi (surtout ?) un festival de musiques alternatives, au sens large, qui se tient normalement sur 3 soirées le dernier week-end de janvier depuis l’année dernière. Bien pratique pour les festivaliers curieux qui, il faut bien le dire, n’ont pas grand chose à se mettre dans les oreilles ce 1er mois de l’année. C’est donc Kongfuzi et MyFavorite qui s’attèlent à palier ce manque inacceptable en se chargeant de la programmation.

Pour son 2e Petit Bain, le Limbo Festival aura donc convoqué la fine fleur – trop – méconnue de l’indé français, américain et londonien à savoir ce qui suit…

Roberto Succo – ça pique, ça pique

Du nom du célèbre serial killer italien ayant sévi surtout en France, ce trio ad hoc composé de noms plus ou moins connus de la scène indé noise cold française, — de gauche à droite Noir Boy George (?!), Usé (?!) et Jessica93 (Wouais !) —, est finalement reprogrammé ce soir (leur date de la veille avec Girl Band ayant été annulée) et ça envoie direct du lourd !

Après une courte intro d’orgue saturé un brin lugubre, nos joyeux drilles ont décidé de détruire minutieusement nos tympans et tout ce qui se trouve à 10cm autour, dès le 1er morceau, comme à peu près tout le long du set.
Une boîte à rythme (vieille Boss DR-880 qu’on aurait pas cru capable de ce genre de sons) crache une rythmique cold sur laquelle Jessica martèle sa basse ultra saturée tandis qu’Usé, vite torse nu, martèle son kit assourdissant de batterie / guitare (qui chutera à 2 ou 3 reprises pendant le set), chacun donnant de la voix tour à tour.

Energique, cradingue, déterminé, le tout forme un puissant drone de déferlement sonore assez jouissif il faut bien l’avouer, mais qui peut s’avérer usant (hihi) aux non-initiés. Nous on remet ça quand vous voulez les filles 😉

 

Ulrika Spacek – un drôle de blase pour auditeurs pas blasés

Une belle brochette de guitaristes bien alignés de part et d’autre de la batterie et un grand écran projetant de belles images abstraites et vintage. Visuellement on se retrouve à la fin des 60’s, toile de fond typique des concerts psyché-expérimentaux du Floyd aux Velvet et consorts. On a clairement changé d’ambiance avec ces gentils garçons délivrant un set plaisant, entre krautrock à la cool et pop psyché à tendance tantôt shoegaze tantôt grunge, sans jamais sonner désuet, ce qui permet à leur musique de rester inscrite dans notre époque.

Photo Ulrika Spacek

Principalement instrumentaux, certains morceaux sont tout de même chantés nous ramenant vaguement (Airportism) vers du Radiohead pré- Kid A / Amnesiac, notamment dans le timbre de la voix.
Bref, cette pause est la bienvenue après le déluge de tout à l’heure, à découvrir.

Alex G – Retour vers le futur dans les naillenetises

Certainement la formation la plus accessible de la soirée, mais la plus typée aussi. Alex et ses drougs proposent une pop rock indé dans la plus pure tradition 90’s américaine (casquette-cheveux-longs-chemise-trop-large), tendance balades plutôt que morceaux vénères (même si le leader sautille à tous bouts de champ).
Le songwriting comme les arrangements sont solides, sincères et généreux, indéniablement, autrement dit sympatoches.
On se sera bien laissé aller à remuer doucement la tête et taper distraitement du pied mais on n’était pas venu pour cette musique-là. Un groupe à prendre au sérieux néanmoins pour les amateurs du genre… La preuve : le public a plutôt apprécié.

Heimat – Deutsche Balinische Freundschaft

Photo HeimatPour les non-germanophones, Heimat est l’équivalent de “homeland”, autrement dit le “pays du chez soi”, la patrie en somme. Ecoutés rapidement mais attentivement sur Bandcamp quelques semaines auparavant, on avait accroché à cette électro bizarre et exotique, dorlotée aux samples instrumentaux typés Asie du Sud Est et gamelan balinais (concoctés par Olivier, l’homme électronique des formidables Cheveu), en soutien du chant en allemand (Jawhol !) de la charmante et envoûtante Armelle.

Les morceaux sont plutôt sombres et lancinants, à la limite de l’indus par moments (synthé-orgue dissonant à souhait), assez minimalistes aussi mais soutenus pas des basses bien joufflues (en live, moins sur EP). Avec ce côté post-punk de l’Est pas loin de la comptine martiale un peu flippante, le chant à la scansion toute germanique fait de l’oeil à Nico plutôt qu’à Nina Hagen, avec un soupçon de Catherine Ringer si on se laisse un peu emporter. Malgré cette froideur apparente, la chanteuse est souriante entre les morceaux, intimidée apparemment.

A noter quelques bugs informatiques qui auront un peu gâché le plaisir, ce qui n’enlèvera rien à l’envie de les suivre malgré tout.

Kas product – The clou of the soirée…

Légendes vivantes de la new wave indus alternative française ayant marqué au fer rouge le début des 80’s, pour ceux qui ne connaissent pas.

On démarre en ombre chinoise avec une intro instrumentale type film d’horreur de série B qui annonce le prochain morceau où l’on retrouve la voix de diva intacte (puissante, maîtrisée et vénéneuse) de Mona Soyoc. Et c’est parti pour une longue loghorrée tout le long du set, grand messe underground 80’s sous speed. Spatsz, son compère, gère (chevauche ?) les sons, entre boîte à rythmes, synthé et ordi, croisement de San Ku Kaï et de Albator (!). La dame nous rappelle qu’elle est une vraie frontwoman, joue du synthé, de la guitare, de la cymbale, tire au revolver (?!), sans parler du chant (et si encore), impeccable, nerveux, engagé, on hallucine !

Photo Kas Product

Et le moment tant attendu arrive enfin : So Young But So Cold, hymne d’une génération 80’s dark désabusée ravit les plus vieux et met une claque aux plus jeunes.

Globalement, nous retiendrons des compositions pêchues mais soyons francs un peu datées. Néanmoins le plaisir est total face à cette ferveur et cette générosité offertes en pâture à son public (la belle amazone vétérante façon Métal Hurlant, souriante et sûre d’elle, prend volontiers des poses théatro-rock pour le plus grand plaisir des “mecs” et des photographes…). On leur souhaite encore une longue vie sur scène.

Rubin Steiner – c’est pas un Drame

Reprenons un peu nos esprits avec un Rubin Steiner détendu et échappé de son projet Drame pour un DJ set qui nous offre une montée kraut vers électro tendance techno bien analogue et bien envoyée (parfois chaloupée), avant de découvrir…

Shopping – les soldes c’est terminé

On avait hâte de voir cette formation from London en live ! Dès le 1er morceau on est replongé dans les années post-punk-funk originelles, sautillant, mordant et décomplexé. Au 2nd, on ne peut s’empêcher de penser aux Slits (cover I heard it through the grapevine), Delta5 (Mind your own business), et autres ESG (Tiny Sticks). Avec ce trio basse-guitare-batterie-voix-féminines qu’on trouve au rayon frais à la coupe, on savoure la même énergie, la même joyeuse désinvolture que leurs ainés, tout ce qu’on aime.

Pas grand chose à ajouter tellement on a voulu profiter du set au maximum, sans le regard critique qui aura fini par s’émousser face à la fatigue, les bières et surtout le plaisir (et aussi un peu l’approche du dernier métro qui nous aura empêché de tout voir mais presque). Dès qu’ils repassent, on y retourne !


On notera au passage l’amabilité de Rubin Steiner, fan du groupe semble-t-il, qui, replacera, là, une cymbale qui aura volé ou, ici, des câbles trop emmêlés pendant le set, la grande classe.

Avec tout ça, on a envie de dire “A Limbo ouais, A Limbo ouais, A Limbo ouais…” et à l’année prochaine 😉

PS : un grand merci à Modulor pour nous avoir permis de participer à cette grande soirée…

 

Toutes photos & vidéos © Alexis Cangy

Leees noisy colonies de vacanceeeees, merci maman merci papaaaa

LA COLONIE DE VACANCES, Gaîté Lyrique, 06/06/2015
[photo cover: Romain Etienne]

 

Déjà rentrer dans une (petite) salle, celle de la Gaieté Lyrique, avec 4 (petites) scènes placées en double face à face en mode quadriphonique, chacune portant négligemment un set rock minimaliste mais avec de gros amplis dont les lampes chauffent tranquillement depuis quelques heures, on se dit qu’on va être au chaud…

Les 4 groupes s’installent alors, à la « coul », pendant que nous cherchons le sweet spot au centre de tout ça (près de l’ingé son qui gérera le mix « façade » avec sa tablette pendant tout le concert, c’est mieux). Arrive enfin le chef de cette joyeuse petite bande, j’ai nommé Greg Saunier, leader/batteur foufou fougueux des Deerhoof ! Et là on se dit, ça risque quand même d’être chanmé.

Alors reprenons, à ma gauche, G. Saunier s’associe aux fous furieux de PNEU pour impulser l’ensemble. A ma  droite, nous trouvons les sympathiques et néanmoins puissants Papier Tigre. A l’arrière se trouve Marvin (tiens une nana et des synthés au milieu de cette bande de brutes ?). Et pour finir, les discrets, mais bien énervés aussi, Electric Electric forment la 4e arête du carré sonore.

 Vidéo de Blue Velvet

Un coup d’oeil du grand blond à la guitare… blonde aux autres participants, et c’est parti mon kiki ! Avec ses motifs de guitare, tantôt enchevêtrés, tantôt se donnant la réplique, en ping pong ou en tournante, et ses batteries-walkyries shootées à l’euphorie, la colonie nous emmène en vacances… pas forcément reposantes. Ca joue fort, ça joue vite, ou plus lentement, mais avec une maîtrise incontestée, à la fois des instruments mais également des compositions. Car il faut les tenir ces partitions, ces breaks syncopés, ces phrases, joués à plusieurs en même temps ou en séquence, hyper précises mais si nonchalamment et avec détermination !
Et tout ce petit monde s’amuse follement, poussant de temps en temps la chansonnette, ou plutôt des « lalala » de grands gamins j’en-foutistes en pleine régression qui donnent à écouter les tripes de leurs instruments, et surtout qui kiffent d’être ensemble, entre eux, avec nous, là maintenant, pour nous faire perdre la boussole.

 

Et c’est bien ce qu’il se passe. Quadriphonie oblige, on est perdu et on aime ça… ou pas. On aimerait pouvoir tous les voir jouer, mais on doit tourner la tête dans tous les sens, ce qui est un peu fatiguant à la longue et nous oblige à choisir une paire de groupes du coup. Et surtout les oreilles n’en réchappent jamais ! Pas moyen de trouver un angle où les tympans seront moins molestés. Bref, les morceaux durent de 10 à 25 mn à vue de nez, et le concert à peu près 1h20 rappel compris, ce qui est bien assez.

Car après un long morceau genre drone d’abeilles où toutes les fréquences semblent conviées simultanément, pendant lequel la salle est plongée dans le noir avec pour seul éclairage une lanterne suspendue au milieu qu’un type fait se balancer en tirant sur une longue corde, tel le moine dans son clocher, nous sommes rincés, sur les rotules, abasourdis, désemparés, vidés et les bouchons d’oreilles en sang, mais heureux, béats, amorphes, conquis.

Et eux tout aussi lessivés mais heureux derrière leurs instruments de l’enfer, semblent pourtant en redemander encore… Alors on se dit (tous) : à quand les prochaines vacances ? »

Vidéo de Keefboof